SEMINARIO 2017-2018

¿NUEVAS PRÁCTICAS POÉTICAS?

Un año más ¿Nuevas Prácticas Poéticas? el seminario que, desde hace 3 años, tengo el gusto de coordinar junto a Begonya Pozo, poeta y Vicedecana de la Facultat de Filología, Traducció i Comunicació de la Universitat de València.

Y seguimos en nuestro empeño de mostrar otras formas de hacer poesía, de solidificar términos líquidos y de estudiar la poéticas vivas en el momento en que suceden, antes incluso de que sean susceptibles de formar parte de ningún plan de estudios. Un seminario para el ahora. Que viene a intentar enriquecer el panorama de la poesía ortodoxa y a expandir el hecho poético más allá de cualquier canon.

Este curso, además de pasearnos por subgéneros poéticos como el spoken word, la holopoesía, polipoesía, poesía maquinal, trasmedia y objetual, haremos hincapié en analizar el nuevo paradigma relacional entre poetas/lectores y entre poesía/mercado que está posibilitando el fenómeno pop de las poesía en las redes sociales.

Porque toda poesía es posible!!!

1//Spoken Word Roots. Mónica Caldeiro

¿A qué llamamos Spoken Word? ¿Es un simple anglicismo para definir un recital de poesía? ¿Es un género en sí mismo? ¿Es la forma literaria más antigua de la humanidad?

El Spoken Word tal y como lo conocemos hoy en día hunde sus raíces en las tradiciones anglosajonas y europeas, aunque es necesario tener en cuenta que cada pueblo cuenta con su propia tradición oral e incorpora sus características autóctonas a la corriente escénica. En Estados Unidos el Spoken Word actual tiene una relación directa con la tradición beat, los movimientos revolucionarios de los años sesenta, la cultura afroamericana del jazz, el blues y el hip hop. En otros países de Norteamérica como Canadá hay cierta tendencia a encontrar más elementos del cabaret y el surrealismo, junto con una gran tradición de poesía fonética y sonora. En Europa, las corrientes menos mainstream de la poesía escénica suelen incorporar elementos dadaístas y surrealistas, contando también con las propias tradiciones locales ancladas en las vanguardias de principios de siglo XX. En la península ibérica contamos con nuestras formas métricas tradicionales de origen oral, como los romances y la poesía juglaresca, que se entrelazan con formas más modernas para tejer un tapiz que extiende su origen a través de los siglos.

En la charla Spoken Word Roots intentaremos abordar y clarificar la diferencia entre el Spoken Word visto desde el punto de vista histórico y el Spoken Word como género poético para centrarnos en el segundo, en sus raíces, características, poéticas y políticas.

ARTÍCULO: “El Spoken Word y la tradición de la Six Gallery”

Mónica Caldeiro

Mónica Caldeiro (Barcelona) es escritora, poeta Spoken Word, traductora literaria e investigadora independiente. Es filóloga hispánica y cursó el DEA en filología inglesa, especializándose en poesía norteamericana de siglo XX. Su principal foco de investigación es la literatura de la Generación Beat.

Como poeta, es autora de dos libros de poemas: la música de los planetas (Madrid: Ya lo dijo Casimiro Parker, 2015) y vaginas, cartografías y asteroides (San Juan: Editorial Isla Negra, 2013). En 2012 reunió la antología de joven poesía gallega Como cantan las piedras (San Juan, Puerto Rico: Editorial Isla Negra) y su obra ha aparecido en varias revistas y fanzines de España, América Latina y Norteamérica.

Como artista Spoken Word, ha llevado su obra por escenarios y festivales de toda la península ibérica y ha leído sus poemas en ciudades como París, Nueva York, San Francisco o Montréal. En 2011 fue poeta residente en el programa de Spoken Word de The Banff Centre en Alberta, Canadá.

Como traductora, dedica su energía y esfuerzo a traducir obra inédita de poetas no canónicos de la Generación Beat. Destaca su traducción de A tiempo, selección poética de la poeta beat Joanne Kyger que saldrá este mismo otoño, y una compilación de poemas de la poeta Spoken Word canadiense Sheri-D Wilson (que verá la luz en 2018). También ha colaborado como prologuista y con la sección sobre Joanne Kyger en la antología The Dharma Beats (Madrid: Varasek Ediciones, 2017). En materia de ensayo, traduce principalmente psicología junguiana, siendo traductora de tres libros de Robert A. Johnson.

Web Mónica Caldeiro

2//LA LIRA DE LAS MASAS: INTERNET Y LA CRISIS DE LA CIUDAD LETRADA. Martín Rodriguez-Gaona

La lira de las masas propone un estudio dividido en tres partes (ensayo, muestra de poemas y una selección de documentos e imágenes) que abordan la irrupción de un nuevo paradigma en la escritura poética: el de la oralidad electrónica (electronalidad), tal y cómo es practicada en internet por una nueva generación (conformada por prosumers y poetas nativos digitales).

Las consecuencias de estos cambios suponen una alteración significativa de los valores que conforman la Ciudad Letrada (definida por Ángel Rama), cuyas fronteras son erosionadas por estos nuevos agentes que trabajan, simultáneamente, el texto y la imagen apoyándose en la interactividad, lo comunal y la producción en tiempo real virtuales. No obstante, este proceso tiene correspondencias históricas, por lo que el estudio toma como modelo textos fundacionales como El pintor de la vida moderna (Baudelaire), La rebelión de las masas (Ortega y Gassett) y Nueve novísimos (Castellet).

Asimismo, el ensayo recoge referencias múltiples que van de Platón hasta Marshall McLuhan y Alvin Toffler para demostrar, rigurosamente, que estas mutaciones suponen el surgimiento de otra cultura, con una sociabilización y unos valores que corresponden a una sensibilidad y un lenguaje radicalmente distintos (un fenómeno paradójico, en el que a la supuesta democratización de la producción simbólica se opone la creación incesante de celebridades y eventos, el culto a la extimidad, lo superficial y lo efímero). Es decir, un proceso de desindividualización propiciado por la hegemonía de la cultura global electrónica.

Los poetas recogidos, nacidos entre 1977 y 1990, con una amplia presencia femenina, ilustran las diversas alternativas que este fenómeno ha manifestado en España, desde el predominio de la autogestión y la edición independiente, hasta la consolidación de la representatividad juvenil y de género.

3//HOLOPOESÍA. Pepe Buitrago

Esquema del seminario:

1 – Mostrar hologramas de reflexión y trasmisión, se podrán ver y tocar. ¿Qué es un holograma? – El holograma, un espacio sin cercanía, ni lejanía, una apariencia, un no-lugar, donde la imagen holográfica flota en un no-espacio y se desliga del tiempo.

2 – Montaje de mesa óptica

3 – Holopoesía: término, autores, imágenes

4 – Pondré algún vídeo para mostrar mis trabajos.

 

1/ La palabra holograma viene del griego holo todo, grama grabado = Todo grabado.

Pero ¿Qué es un holograma? La holografía como la fotografía es una técnica que produce una imagen en una película. El método utilizado para la grabación es completamente distinto. Una fotografía crea una imagen bidimensional del objeto, la película expuesta recibe el nombre de negativo, la imagen que vemos grabada se corresponde con un único punto de vista inamovible.

En la holografía, por el contrario, queda registrada toda la información visual procedente del objeto, su entorno y el espacio en que está. El holograma es un film o película, en la cual lo que se graba es el espacio, esto quiere decir que es multidimensional. Se hace sobre una mesa óptica que hace de cámara holográfica. Al moverte delante de un holograma irás viendo un ángulo diferente de ese espacio y de ese objeto.

2/Montaje mesa óptica

Montar una maqueta de mesa óptica para mostrar cómo se hace un holograma.

3/ Holopoesía, término acuñado por Eduardo Kac.

Para Kac, un holopoema es “un poema concebido, realizado y expuesto de manera holográfica. Esto significa, en primer lugar, que dicho poema se organiza de una forma no lineal en un espacio inmaterial cuatridimensional y que va cambiando y transmitiendo diferentes significados mientras el lector lo mira. Trata las palabras como signos que puede cambiar y desaparecer.”

Kac subraya la importancia del carácter interactivo del holopoema y plantea que la interactividad radica en el hecho de que el movimiento natural del espectador frente al holopoema es suficiente para cambiar lo que lee.

Digamos que un holopoema sería un poema experimental suspendido en el espacio, que dependiendo de tu ángulo de visión podrás verlo o no, esto quiere decir que aparece y desaparece, pero si nos movemos iremos encontrando partes de un todo.

Sin embargo, desde mi punto de vista, cualquier espectador puede cambiar lo que lee o ve, ya aparezca en papel, cristal, lienzo, holograma…etc.

Para mí la holografía o, mejor dicho, los hologramas son un material más con el que se puede trabajar y un holopoema es parte de la poesía visual – experimental, como los poemas objeto, videopoemas, fotopoema, poema digital o hiperpoema etc. Los holopoemas son poemas creados como un holograma con un láser, espejos y lentes. Por otra parte creo que un holograma es multidimensional ya que lo que se registra en él, como ya he señalado, es espacio y el espacio tiene múltiples dimensiones.

Uno de los primeros holopoemas fue creado por Dieter Jung en 1983, una frase suspendida en el aire, un verso de Hans Magnus Enzensberger que significa “esta frase está en el aire”. No obstante, aunque presentado de manera holográfica, para Kac, el verso seguía siendo lineal, clásico. Quizá por ello se considera que los primeros holopoemas verdaderos son los de Eduardo Kac quien pretendía desarrollar una nueva poética visual.

Entre los pioneros de la holopoesía también están: Julio Plaza y Augusto Campos.

4/ Trabajos Pepe Buitrago “La apariencia de la realidad – la realidad de la apariencia”, es el argumento de los trabajos que vengo realizando desde hace casi 30 años. Una reflexión acerca de la delicada línea que discurre entre lo real y lo irreal, la sutil barrera entre lo que conocemos y desconocemos, entre lo que la realidad nos muestra y nos oculta y, a veces, ‘al descubrir lo que oculta, esconde lo que descubre’

 Trabajos Pepe Buitrago

4//POLIPOESÍA. Eduard Escoffet

Després de repassar l’any passat el panorama internacional de la poesia sonora, des dels seus inicis, als anys cinquanta del segle passat, amb Bernard Heidsieck i Henri Chopin, fins a l’actualitat, passant pel text-sound suec i els jocs de Bob Cobbing, en aquesta edició parlaré de l’escena espanyola. Tot i que no és ben bé fins als vuitanta quan comença a haver-hi una nodrida escena, comparable amb la d’altres països europeus, en poc temps s’ha desenvolupat una escena que, amb l’etiqueta de poesia sonora, polipoesia o senzillament poesia, ha aportat moltes veus pròpies.

Començarem el repàs amb dos referents essencials, tots dos valencians: d’una banda, Carles Santos (el seu memorable Voice tracks és de 1981) i Flatus Vocis Trio, el trio format per Fátima Miranda, Llorenç Barber i Bartolomé Ferrando. Continuarem comentant la generació posterior, la majoria de l’escena barcelonina dels noranta, amb noms com Xavier Sabater, Accidents Polipoètics (Xavier Theros i Rafa Metlikovec), Josep Ramon Roig i Enric Casasses. Finalment, veurem com a principis d’aquest segle la poesia salta definitivament a l’escenari i es consoliden escenes molt destacades en ciutats diverses, com Madrid, Sevilla, València i Bilbao.

Un dels aspectes importants de totes aquestes escenes és que barregen sense complexos tota mena de referents poètics i musicals, sense una gran necessitat de lligar-se a la poesia sonora o l’avantguarda en un sentit estricte. Podríem parlar de maneres pròpies, que defugen les etiquetes i que busquen el contacte directe amb el públic; en un país massa monopolitzat per una idea vuitcentista de poesia, això ja és una revolució que encara ha de donar molts fruits. De fet, és fàcil adonar-se que qualsevol radiografia serà sempre parcial i personal, perquè no un no deixa mai de descobrir noves veus i veus que porten molt de temps però que no han tingut reconeixement més enllà d’un petit cercle.

 

Eduard Escoffet. Barcelona, 1979

Poeta y agitador cultural. Ha practicado varias vertientes de la poesía (poesía visual, escrita, instalación, poesía oral, acción poética), aunque su trabajo se centra en la poesía sonora y el recital en directo. Aparte de su actividad en la escena contracultural barcelonesa, ha presentado su trabajo en festivales y programaciones de poesía de toda Europa, en China, en Estados Unidos y en distintos países de Latinoamérica.

Es cofundador del colectivo projectes poètics sense títol – propost.org. Fue codirector de Barcelona Poesía (Festival Internacional de Poesía de Barcelona) entre 2010 y 2012 y dirigió el festival de prácticas poéticas actuales PROPOSTA en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (2000-2004). En paralelo, también ha trabajado como asesor en políticas culturales.

Fue comisario, junto a Eugeni Bonet, del ciclo de cine Próximamente en esta pantalla sobre el cine letrista en el MACBA (2005). Es coautor de las obras de teatro ¡Wamba va! (con Gerard Altaió, Josep Pedrals y Martí Sales, 2005), Puaj./Ecs. (con G. Altaió y J. Pedrals, 2005) y La Belbel Underground (amb Carles Hac Mor y G. Altaió, 2006). Ha publicado los libros de poesía Gaire (Pagès, 2012) y El terra i el cel (LaBreu, 2013), y el libro de artista Estramps con Evru (2012). Con la banda de electrónica Bradien, con la que lleva trabajando desde 2009, ha publicado los discos Pols (spa.RK, 2012) y Escala (spa.RK, 2015).

DAVID TRASHUMANTE © 2018